miércoles, 18 de noviembre de 2015

REALISMO

GUSTAVE COURBET (1819-1877)



Pintor francés que inició la tendencia realista en la pintura del siglo XIX. Instalado en París desde 1839, estudió en la Academia Suisse la obra de los principales representantes de las escuelas flamenca, veneciana y holandesa de los siglos XVI y XVII. 
Sabías que?
 A los veinte años se trasladó a París para estudiar derecho, sin embargo se dedicó a pintar.
Courbet fue muy polémico debido a la temática elegida en sus representaciones y activismo político. Trata de temas cotidianos protagonizados por gente sencilla y plasma la incomunicación de sus personajes con el espectador. 
Sus cuadros conjugan partes muy coloristas y partes casi sin color. Escandalizó al público con su nueva visión realista en cuadros sobre hechos cotidianos, como en L'après diner a Ornans (1849), El entierro en Ornans(1849) o Los paisanos de Flagey volviendo del campo (1850), en los que los personajes están representados con toda su vulgaridad, o con una sensualidad comprometedora. 
Entre sus obras más sobresalientes se encuentra "Los picapedreros" donde se presenta el fin y el comienzo de la vida del hombre.


PINTURA
En el transcurso de la primera mitad del siglo XIX, mientras el Neoclasicismo rivalizaba con el Romanticismo, el Realismo surgió como una nueva fuerza que dominaría la segunda mitad del siglo. El Realismo formó parte inmediatamente del arte occidental. 
Durante el Renacimiento, los artistas superaron las limitaciones técnicas para representar con fidelidad la naturaleza. Pero en el Realismo, los artistas modificaron los temas e insistieron en la imitación precisa de las percepciones visuales sin alteración.
 Los artistas realistas buscaron en el mundo cotidiano y moderno, las principales características, distanciándose de temas sobre dioses, diosas y héroes del periodo clásico. Campesinos y trabajadores urbanos fueron los nuevos protagonistas.
 El padre del movimiento realista fue Gustave Courbet (1819-1877). Insistió en que la pintura era un arte esencialmente concreto que debía aplicarse a elementos reales y existentes. Cuando se le preguntó sobre pintar ángeles, Courbet respondió: “Nunca vi a los ángeles. Si usted me muestra una, yo lo pinto”


Características de la pintura realista
1. El artista utiliza el conocimiento de la perspectiva para crear la ilusión de espacio. Desarrolla una vista aérea superior mostrando la visión del paisaje o los detalles de la escena.

2.Los volúmenes están muy bien representados por la gradación de color, luz y sombra

3.Hay una preocupación para representar a la textura, la apariencia real del objeto (la textura de la piel, los tejidos) etcétera

4.El diseño y la técnica para representar el cuerpo humano es perfecto.

5. Abordan temas de orden político y social. Los pintores recrean escenarios realistas de la vida cotidiana y lo contemporáneo.

PINTORES FAMOSOS

Jean Francois Millet (1814-1875)
Pintor ligado al mundo agrario y problemas sociales, en sus obra, el hombre aparece representado mientras realiza sus tareas cotidianas.
Entre sus obras principales destacan: El Ángelus, Las espigadoras y los canteros.



Honoré Daumier (1808-1879)
Gran dibujante que practicó la caricatura política, sus figuras son onduladas, remarca los contornos y líneas interiores, sus temas tienen relación con el mundo de la marginación.
Entre sus obras mas relevantes se encuentra: "La lavandera"


ESCULTURA
Entre los escultores de la época realista, quien más destaca es Auguste Rodin (1840-1917), cuya producción despierta controversia severa. 
Desde su primera gran obra, La Edad de Bronce (1877), provocó un gran debate motivado por su intenso realismo. Algunos críticos acusaron al artista de haber realizado la escultura sobre un propio modelo vivo. Más tarde, una segunda escultura, Predicación de San Juan Bautista (1879), revelaría la principal característica de su arte: el establecimiento de los gestos humanos. 
Ese mismo objetivo se reflejaría en su obra El Pensador, probablemente la obra más conocida del autor. 



En cuanto a los retratos, Rodin no fue siempre fiel a la preocupación natural para reproducir los rasgos faciales de su modelo. La escultura que hizo de Balzac, por ejemplo, llegó a ser lo rechazada por la Sociedad de los Hombres de Letras de París por no existir semejanza física entre la obra y el retratado. 
Lo que Rodin pretendía fue privilegiar, a su estilo, el carácter vigoroso que la personalidad del escritor le sugería, lo que llevaría a una rígida controversia. De hecho, incluso la clasificación de la obra de Rodin lo más realista es controversial.
 Algunos críticos lo consideran romántico debido a la fuerte emoción que traducen sus obras. Todavía hay quienes ven la escultura de Rodin características del impresionismo, un movimiento al que fue contemporáneo y que revolucionó, en la época, a la pintura europea.

Otro escultor sobresaliente es:
ALEXANDER CHARPENTIER (1856–1909)
Trabajó en barro policromado con la finalidad de adornar edificios: Los panaderos.

ARQUITECTURA
La arquitectura realista trataba de adaptarse al nuevo contexto social. Con tendencia a volverse realista o científica, la arquitectura e ingeniería buscan responder a las nuevas necesidades urbanas generadas por el proceso de industrialización. Las ciudades no exigen de ricos palacios y templos.
 Ellas necesitan de nuevos edificios con funciones específicas, como fábricas, almacenes, estaciones ferroviarias, tiendas, bibliotecas, escuelas, hospitales y hoteles, ya fuera para los propios trabajadores como para la nueva burguesía.
La principal exigencia de la arquitectura realista era mostrar las cosas tal y como son.




























ROMANTICISMO

Théodore Géricault (1791-1824)

Es el representante más notorio en Francia. En sus pinturas otorga gran importancia al color predominan las luces intensas y vibrantes, retracta fundamentalmente paisajes y desastres de la naturaleza.

Fue una figura singular en el panorama de la pintura francesa y un pionero del Romanticismo, ideal que encarnó también en su tumultuosa vida y en su prematura muerte, a los treinta y tres años, a causa de un accidente de equitación.
La carrera de Géricault como pintor se extiende apenas a lo largo de diez años, pese a lo cual su obra es notable y abundante. En sus primeras realizaciones se encuentran: La muerte de Hipólito, La captura del caballo salvaje.
En 1819 pintó y expuso su pintura más famosa “La balsa de la Medusa” correspondiente a la pintura romántica del siglo XIX. La temática procede de un evento histórico: el naufragio de un barco francés en la costa de Senegal y la lucha por sobrevivir de los pasajeros, abandonados por los oficiales del barco, quienes tomaron los botes salvavidas. Muestra en primera instancia a las personas que han perdido la vida, individuos moribundos y finalmente un sujeto de color que ondea vigorosamente alguna ropa con la esperanza de que sea visto por una embarcación que proceda a rescatarlos.
La pintura ejemplifica el heroísmo romanticista del hombre común que se enfrenta a la corrupción del sistema francés pues el gobierno no hizo algo para castigar al capitán del barco.
La iluminación se realizó mediante el claroscuro, para crear una sombra en una parte de los personajes y luz en la otra, lo que imprime el carácter ambivalente al cuadro: desesperación y esperanza.


Estilo Artístico: Romanticismo

A mediados del siglo XVIII surge en Gran Bretaña, planteamientos estéticos basados en la subjetividad y sentimiento al tiempo que están interesados por la arquitectura gótica y la idea de lo pintoresco. De esta forma se da el nuevo movimiento artístico llamado Romanticismo.
La arquitectura gótica es para los primeros románicos la materialización de grandes ideales: religión cristiana y pasado nacional glorioso.
El romanticismo es, ante todo, una manera de sentir.
El Romanticismo se opone al carácter encorsetado de la pintura académica, rompiendo con las reglas de composición. Su temática busca la evasión, los lugares lejanos y las épocas pasadas. Algunas causas como la guerra de la independencia griega gozan de un gran predicamento entre los románticos. 
El triunfo del clasicismo mantuvo al naciente Romanticismo en una situación embrionaria durante décadas. L a vinculación entre la estética neoclásica y el imperio Napoleónico provocó como reacción la identificación del Romanticismo con las nociones de independencia nacional.
La caída de Napoleón marco el momento de eclosión del Romanticismo.
El Romanticismo no se configura como una estética identificada con poder establecido, sino que lo hace con un carácter de rebeldía. Se basa en la reivindicación de la subjetividad y los sentimientos individuales; no se configura como un movimiento monolítico sino que en su seno caben posturas dispares desde el punto de vista ideológico.
Existen núcleos básicos que consiguen darle coherencia: individualismo, sensibilidad, inconformismo, y un sentimiento de huida en el espacio y en el tiempo que se manifestará en el interés por los territorios exóticos y edad media.  El Romanticismo se caracteriza por saber unir la sugestión que le causan otros paisajes y épocas con la preocupación por el mundo que los rodea.


    PINTURA

Aparece una nueva sensibilidad que se caracteriza por conceder un valor primordial al sentimiento, la exaltación de las pasiones, la intuición, la libertad imaginativa y al individuo. El romanticismo es, ante todo, una manera de sentir.
El Romanticismo se opone al carácter encorsetado de la pintura académica, rompiendo con las reglas de composición. Su temática busca la evasión, los lugares lejanos y las épocas pasadas
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Utiliza diferentes técnicas: el óleo, acuarelas, grabados y litografías.
La pincelada es libre, viva y llena de expresividad
La luz es importante y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista y teatral.


Principales Pintores:

Los pintores románticos son maestros del color que representan temas contemporáneos.
Théodore Géricault (1791-1824)
Es el representante más notorio en Francia. En sus pinturas otorga gran importancia al color predominan las luces intensas y vibrantes, retracta fundamentalmente paisajes y desastres de la naturaleza; entre sus obras principales destaca:  “La balsa de la Medusa”

John Constable (1776-1837)
Para pintar cambió el taller por el aire libre; entre sus pinturas destacan:
“ La carreta de heno”


“La catedral de Salisbury”


Joseph Turner (1775-1851)
Lo evidente de este autor es la gran libertad con que usa el color, que combinado con la luz crea visiones imaginarias alejadas de la realidad. Entre sus obras más sobresalientes se encuentran: 
“Lluvia, vapor y velocidad”


“El camposanto de Venecia”

Escultura

El corto periodo romántico en escultura responde a encargos oficiales para embellecer edificios o monumentos conmemorativos, se caracteriza por la falta de carácter y desorientación. Es una época de transición, que altera elementos clasicistas, con otros criterios que desembocarán en un nuevo realismo.
La escultura románica tiene un desarrollo posterior a la pintura, sus temas son narrativos y comparte con la pintura la expresión de las pasiones humanas, perdiendo las figuras de quietud y mesura.
El material mas utilizado es el bronce, pues ofrece mas posibilidades de ser moldeado que el mármol, entre otros materiales se encuentran: hierro fundido y zinc.

Escultores Famosos:

Francois Rude (1784-1855)


Théodore Géricault (1791-1824)
Sus esculturas muestran los mismos arrebatos apasionados y violentos. En 1829 realiza la ninfa y sátiro en piedra. La ninfa muestra una resignación ante el sátiro que se inclina sobre ella, esta obra supone una expresión romántica muy adelantada en su tiempo.


¡Datos interesantes!
Sabías que el famoso pintor y escultor Théodore Géricault en sus último años se anduvo quejado de una dolorosa enfermedad, posiblemente cáncer de huesos y pasó sus últimos años sin poder acometer pinturas de gran formato.























El modernismo.

EL MODERNISMO


El modernismo surge por la evolución del eclecticismo y el historicismo. Es un arte burgués, muy caro, que intenta integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes. El modernismo es una corriente esencialmente decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas originales. Se desarrolla a caballo entre los siglos XIX y XX.
El modernismo deja de lado las soluciones que la revolución del hierro y del cristal aportan a la arquitectura, aunque se sirve de la industria para la decoración de interiores y las forjas de las rejerías, etc. Sus formas son blandas y redondeadas, aunque no es esto lo característico del modernismo, sino la profusión de motivos decorativos.
La influencia del modernismo arquitectónico se deja sentir en la arquitectura actual, la de los años 80 y 90 de siglo XX.
El modernismo como tal, nace en Bélgica de la mano de Van de Velde y Víctor Horta, aquí se llama art nouveau. Henry Clemens van de Velde (1863-1957) es uno de los primeros modernistas. Construye la casa Bloemenwert, pero lo más interesante es el diseño de su decoración. Tiene influencias del expresionismo alemán, y son típicos sus tejados ondulados. Víctor Horta (1861-1947) es el más puro de los modernistas, y el más representativo. También son típicos sus tejados ondulados así como sus fachadas, que provocan un juego de luces y sombras muy decorativo; que recuerdan al barroco. Descubre las posibilidades del hierro, en el que crea grandes forjas. Los elementos decorativos de su arquitectura se curvan, asemejando la vegetación natural. Obra suya es la escalera de la calle Paul-Emile Janson en Bruselas, y múltiples kioscos de hierro y bocas de metro lujosamente decoradas. También hizo la casa Solvay en Bruselas. Lo más característico de esta casa son sus interiores lujosamente decorados y muy recargados, con lámparas, papel pintado y vidrieras; todo de diseño. Otras obras suyas son las casas Tassel, Solvay y del Pueblo, el palacio de Bellas Artes, en Bruselas y el Gran Bazar de Fráncfort.
William Morris (1834-1896) es otro de los grandes modernistas, de origen inglés. Su modernismo no cae en los excesos decorativos, es el más sobrio del movimiento, aunque continúa siendo recargado. Sobre todo diseña muebles y pequeños utensilios cotidianos.
Otro inglés es Charles Rennie Mackintosh (1868-1928) que es uno de los más grandes modernistas. Sus planteamientos son originales y aportan nuevas soluciones a sus problemas arquitectónicos. Son características las formas prismáticas y octogonales. Mackintosh es el arquitecto modernista más sobrio en los exteriores, lo que le vale ser un precursor del racionalismo. Diseña muebles y joyas, y construye la Escuela de Arte de Glasgow.


Obra de Victor Horta

Gaudí y el modernismo en España
El movimiento modernista también tiene en España representantes de talla internacional. El más destacado de todos ellos, por su originalidad, es Antonio Gaudí (1852-1926), uno de los arquitectos más personales y originales del movimiento. Gaudí pone la decoración que define al modernismo en el exterior del edificio. Esta característica le hace ser un personaje singular y aislado dentro del movimiento. Su imaginación para la decoración exterior es desbordante. Utiliza profusamente los juegos de curvas y contracurvas, las luces y las sombras. Sus soluciones son tan originales que en muchas ocasiones supera los límites del modernismo e influye, claramente, en la arquitectura de los años 80 y 90 del siglo XX.
Gaudí, en su primera etapa, tiene tendencias historicistas, e incluso nacionalistas de estilo neomudéjar. De esta primera etapa son la casa Vicens, el palacio episcopal de Astorga, la finca Güell, el Capricho de Comillas, y la casa de Botines en León. En una segunda etapa, ya más personal, recibe la influencia del arte africano y de los pueblos primitivos, sobre todo árabes, la naturaleza y las formas de Capadocia. Esta influencia se puede ver en el parque Güell.
A Gaudí se le ha considerado, en ocasiones, como el último artesano medieval, ya que no recurría a la industria para solucionar sus problemas arquitectónicos, sino que daba respuestas concretas y originales a problemas específicos, elaborando las piezas de manera única. Proyecta sus edificios como casi como esculturas. Los muebles, los mosaicos, las rejerías, todos los detalles finales salen de su propia mano. Utiliza escasamente el hierro, sólo en sus fabulosas rejerías.
El parque Güell es una de sus obras más originales. Es, en realidad, un proyecto para una ciudad jardín, pero se queda en su preparación. Para la decoración de todos los motivos usa la cerámica rota, que pega a modo de mosaico. Utiliza como recurso las columnas inclinadas, para dirigir el peso, así como arcos y arbotantes con distintos ritmos, dando al conjunto una apariencia caótica, casi expresionista. La casa de Felipe Batlló es otra de sus obras más representativas. En ella se ven claramente sus tendencias expresionistas. Los volúmenes asemejan cuerpos de animales.
La casa Milá es una de sus obras más conocidas e internacionales. Asombra su decoración de guerreros, sus luces y sus sombras y las diferentes texturas que se observan.
Pero la obra más significativa de Gaudí es la Sagrada Familia, su último encargo, que dejó inacabado, pero que es una auténtica antología de toda su obra, y su edificio más conocido.
Además de Gaudí hay en España otros arquitectos modernistas de importancia, mucho más clásicos, que trabajan en todo el país, aunque principalmente en Barcelona y Melilla. Melilla es, tras Barcelona, la ciudad de España que más edificios modernistas concentra, gracias a la labor de un discípulo de Gaudí, Enrique Nieto, que se afincó en Melilla debido a lo difícil que era trabajar en Barcelona. Entre estos arquitectos destacan Lluis Doménech i Montaner (1850-1923), que construye el Palacio de la Música de Barcelona, Josep Puig i Cadafalch (1867-1956), casa Martín, Los cuatro gatos, Enric Sagnier, Alexandre Soler i March y Francesc Guardia i Vial.
Tras la marea modernista se retoma el nacionalismo arquitectónico con Antonio Palacios (1876-1945): Banco Central, Casa de Correos, Antonio Flórez (1877-1941): Residencia de Estudiantes, Teodoro Anasagasti (1880-1918): Real Cinema, cine Monumental, Modesto López Otero (1885-1962): Ciudad Universitaria de Madrid. Incluso encontramos regionalismos como, en Cantabria Leonardo Rucabado, en el País Vasco Manuel María Smith, en Aragón Ricardo Magdalena y Félix Navarro, y en Andalucía Aníbal González. La siguiente generación, al recuperar el nacionalismo, encontró el estilo herreriano, lo que les acerca al racionalismo. Destacan Secundino Zuazo (1887-1970): Nuevos Ministerios, y Gutiérrez Soto: Ministerio del Aire.

Obra de Gaudí




Obra de Josep Puig i Cadafalch
Obra de Teodoro Anasagasti


El modernismo: Pintura y escultura.
El modernismo no se ocupó de la pintura más que en su dimensión de escenas decorativa que complementa a la arquitectura. El modernismo se caracteriza por la ostentación decorativa. Trabaja, fundamentalmente, la vidriera y el papel pintado, así como el cartel para espectáculos. Es un arte comprometido con la revolución industrial. El modernismo es, ante todo, un arte decorativo.
La vidriera es lo más característico de la pintura modernista. Utiliza colores planos, cristales grandes y vidrieras de poco peso. Su actitud decorativa es tan radical que en otros países el modernismo se llama art decó, estilo moderno, Sezessión o art nouveau.
El papel pintado, reproducido en grandes cantidades por la industria, se usó para recubrir las paredes, y algunos pintores modernistas se ocuparon de él. El modernismo es un arte muy caro, al que sólo podía acceder la burguesía, y por lo tanto refleja el gusto burgués. Se caracteriza por el color, la fantasía y la riqueza, con un toque esnob y hortera.
El cartel es el otro gran motivo modernista. Sirve para anunciar los espectáculos a los que asiste la burguesía, pero también de propaganda política e ideológica, y de anuncio de productos industriales. El gran cartelista es Toulouse-Lautrec, que ejercerá su influencia durante mucho tiempo.
La arquitectura es el arte donde se engloban todas las artes, y todas están subordinadas a ella: rejería, cerámica, escultura y, por supuesto, pintura. Su sentido decorativo le lleva a potenciar el dibujo geométrico y la decoración abstracta. No existe una clara separación entre artes mayores y menores, por lo que la cerámica, la orfebrería y el diseño de muebles entran dentro del arte modernista con pleno derecho.
Predominan los temas naturales, flores y pájaros que se repiten a lo largo del plano, los motivos japoneses, los arabescos y las formas contrastadas.
De los grandes pintores modernistas Gustav Klimt (1862-1918) es el más representativo: El beso, La espera, La primavera, Judith. Pero también están Egon Schiele: Mujer con dos niños, Max Klinger: Cristo en el Olimpo, Franz von Stuck: La guerra, Alfons Mucha: Medea, ilustra libros, Henri Jacques Edouard Evenepoel: El español en París, Theodore van Rysselberghe: La lectura, Aubrey Beardsley: ilustraciones para libros, William Morris: La reina Ginebra, y Henry Clemens van de Velde.
En España destacan Ramón Casas: etiqueta de Anís el mono, Cabeza de un bandolero, La carga, cartel de Codorniú, Santiago Rusiñol: Jardín de Aranjuez, Escaleras del Generalife, Joaquín Sunyer: Paisaje de Mallorca, Hermenegildo Anglada i Camarasa: En el baile, Joan Brull: Las ninfas, Ricard Canals:Un palco en los toros, Xavier Gosé: Señoras con sombrero, José María Sert i Badia y Miguel Utrillo. La mayoría de ellos son catalanes, ya que el modernismo arraiga, sobre todo, en Barcelona.
Como cartelistas destacan Theophile Alexandre Steinlen, Jules Cheret, y Leonetto Cappiello.

La escultura
Curiosamente, la escultura modernista no está muy desarrollada, en realidad se trata de un uso de la escultura simbolista en los edificios modernistas. Trabajan para los arquitectos todos los grandes escultores, pero la escultura no tiene cabida dentro de una casa. Sí destaca, en cambio, el diseño de joyas y muebles y las porcelanas, en las que destaca Lambert Escalé, Busto, y Pierre Roche.

El Arte Neoclasico

ARTE NEOCLÁSICO 

Surge, a mediados del siglo XVIII pero se mantiene, junto con otras tendencias, a lo largo del siglo XIX. Los centros principales serán Roma y París. Reacción clasicista frente al Barroco favorecida por la Ilustración. Es un intento de someter la creación artística a reglas racionales y de elaborar modelos de validez universal: por ello, carece de fuerza creadora y resulta un arte de escasa originalidad. Su aceptación popular fue mínima. Algunos factores contribuyen a su desarrollo: • Las publicaciones de los tratadistas preconizando el ideal griego como punto de partida de toda belleza, defendiendo un retorno a las fuentes de la Antigüedad. Hay que destacar la obra de Winckelmann, “Historia del arte de la Antigüedad”. • Las excavaciones de Herculano (1719) y Pompeya (1748). • Las expediciones arqueológicas inglesas a Grecia. • La creación de las Reales Academias que dirigen la estética de su tiempo de acuerdo con una normativa clásica. • Se refiere especialmente a la arquitectura aunque sin olvidar totalmente la escultura y la pintura.

Arte Neoclásico » Recursos Académicos  



ARQUITECTURA

 Características Reacción contra los efectos decorativos del Barroco y del Rococó. Se inspira en los monumentos clásicos, pero no es una copia de los mismos sino que los recrea. Es una arquitectura erudita y racional. Representa un concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en las formas geométricas claras, en la medida clásica. Frente al subjetivismo barroco se opone la objetividad de la belleza basada en la racionalidad. Gusto por la sencillez y severidad: predomina lo arquitectónico sobre lo decorativo. Para Winckelmann la belleza de los edificios radica en su monumentalidad, simetría, proporciones sujetas a las leyes de la medida y de las matemáticas. Emplea elementos básicos de la arquitectura clásica: las columnas, los órdenes especialmente el dórico y el jónico, los frontones, las bóvedas y cúpulas, etc. Los temas decorativos también son tomados de la antigüedad: guirnaldas, rosetas, ovas, meandros. El edificio clásico más empleado como modelo por el arte neoclásico es el templo griego, especialmente el pórtico y el frontón, que se emplean incluso como modelo de las construcciones civiles. A pesar de sus preferencias por los modelos griegos rompen con el “antropocentrismo" de estos y tienden a la monumentalidad romana. Las construcciones son, principalmente, de carácter civil: museos, academias, bibliotecas. El urbanismo busca los trazados geométricos, de damero o estrellados, con amplias avenidas y plazas. En la ciudad, zonas verdes. Dentro de la arquitectura neoclásica se pueden estudiar dos tipos: Una arquitectura que sigue siendo básicamente barroca en cuanto a la exaltación del poder, pero que simplifica sus elementos. Es el llamado "barroco vitrubiano" y es la más extendida por Europa e incluso por Estados Unidos. La "arquitectura de la razón", preocupada por la adecuación entre funcionalidad y forma. Se huye de todo tipo de decoración. Se planean obras de tipo práctico o industrial en relación con los cambios económicos y sociales: bolsas de comercio, bibliotecas, teatros, cementerios, hospitales. Es considerada como la más propiamente neoclásica. 

FRANCIA
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 Abandona la decoración de interiores de la época de Luis XV y Luis XVI tendiendo hacia formas más puras. Cobra especial importancia en el Imperio de Napoleón: desarrollo del urbanismo y de los monumentos conmemorativos.  







ESCULTURA

Características:
 Predomina la racionalidad de la expresión serena y sosegada sobre la irracionalidad de lo impetuoso. Imita el estilo de los grandes escultores de la Antigüedad, principalmente de los griegos. Se toman como modelos los temas clásicos porque quieren razonar intelectualmente sobre la belleza. Frente al realismo y expresionismo de la escultura barroca se oponen la serenidad y belleza de la escultura clásica: hay una reacción contra los efectos pictóricos, la teatralidad y el movimiento desbordado del Barroco. Los artistas neoclásicos procuran plasmar formas correctas, ideales; existe una tendencia a destacar la forma para valorar el contorno y la belleza formal de las figuras y objetos; se evitan los fuertes contrastes de claroscuro; se dota a la representación de un modelado suave y de un acabado pulido y homogéneo. En general, interesó más la belleza puramente formal que la fuerza espiritual de la obra. Por eso caen en la frialdad y en la excesiva uniformidad. Materiales preferidos: mármol blanco y bronce. Principales manifestaciones: grupos escultóricos, ornamentación de edificios públicos, monumentos conmemorativos, monumentos funerarios, retratos, etc.

la s esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de


 REPRESENTANTES EUROPEOS. ANTONIO CANOVA (1757-1822). 

Propugnó la vuelta a los cánones clásicos. Combina la sensibilidad veneciana con el idealismo neoclásico resultando un arte suave y delicado. Se inspiró en las copias romanas de las obras griegas. No conoció los originales griegos hasta el final de su vida. Gran técnico: virtuosismo en la ejecución. Temas: mitológicos, sepulcros, retratos, Ej.: Mausoleos de Clemente XIII y Clemente XIV. Venus. Paulina Borghese. Perseo. Eros y Psiquis. 

ALBERTO THORWALDSEN (1770-1844). 

Danés, residió y se formó en Roma. Se interesó por las obras griegas de las que conoce los originales: en su obra se advierten las influencias de Policleto, Fidias y Praxíteles. Estilo grandioso y monumental para representar lo heroico. Figuras frías y académicas debido a la excesiva corrección formal. Ej.: Jasón y el vellocino de oro. Amor y Psiquis. Ganimedes y el águila. 3.2. ESPAÑA. Lento y tardío arraigo de las formas neoclásicas. Mármol y bronce desplazan a la madera policromada. Temas preferentemente profanos: monumentos conmemorativos y retratos; los temas religiosos pierden mucha importancia. JOSÉ ALVAREZ CUBERO (1768-1827). 


 PINTURA:

Index 2º Elena GarcíaMarín Main Index

Características:
 Triunfa a finales del siglo XVIII favorecido por los principios éticos propugnados por los enciclopedistas que atacaban el carácter artificioso de muchas de las obras del Rococó. Al no contar con restos pictóricos de la antigüedad grecorromana, el Neoclasicismo se inspira en la escultura, en especial en los relieves, lo que dotará de un marcado carácter escultórico a las representaciones pictóricas neoclásicas. Predomina el dibujo academicista sobre el color. Luz clara y difusa. La base de la belleza es la armonía de las proporciones y de las líneas. Los principales temas serán: retratos, mitológicos, cuadros de historia. 

FRANCIA. JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825). 

Representante de la pintura neoclásica francesa. Estilo frío, severo, equilibrado, opuesto al espíritu rococó. Cuida mucho el dibujo: da primacía a la forma sobre el color y la luz. Las figuras aparecen con contornos bien delimitados, como esculturas. Composiciones simétricas de escasa profundidad y con figuras ordenadas en filas paralelas. Busca los temas heroicos y el desnudo como exponentes de la belleza y de la perfección, tanto si representa temas de la antigüedad como temas de su época. 4 Vinculado a la Revolución Francesa será, posteriormente, nombrado pintor oficial de Napoleón Bonaparte: todo esto será reflejado por él en sus cuadros. Ej.: El juramento de los Horacios (1784). Rapto de las Sabinas (1789). Muerte de Marat. (1793). 
Coronación de Napoleón (1805-1807). 
JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES (1760-1867).
 Discípulo de Luis DAVID, sin embargo practica un estilo más poético, prerromántico prácticamente. Su pintura pierde el contenido político que tenía la de su maestro. Destaca el tratamiento del desnudo femenino y los temas de carácter oriental. Mal aceptado en Francia, trabajó casi exclusivamente en Roma. Preocupación psicológica en sus retratos. 
  





El barroco novohispano

EL BARROCO NOVOHISPANO 

César Tenorio Gnecco Uno de los más bellos apartes de la arquitectura colonial novohispana es sin lugar a duda el Barroco, desarrollado en los siglos XVII y XVIII, que florece sin igual en esta tierra barroca per se desde épocas prehispánicas, muchísimo antes que el término casi existiera. El Barroco, que para algunos conocedores del tema es un estilo arquitectónico inspirado en conceptos netamente religiosos, pletórico de simbolismos bíblicos, sin ésto decir que en el campo civil no se da también espectacular, al llegar a la Nueva España cayó en tierra fértil, y no solo aquí, en todo el Nuevo Mundo hispánico, ya que Quito tiene obras de categoría comparables a las de Lima, Colombia, Guatemala y el actual México; por supuesto no podemos dejar de lado al barroco portugués, desarrollado en Brasil. Dice Victor L. Tapié en su obra "Barroco y Clasicismo" 1 que las obras barrocas "... las más extrañas, las más exasperadas, aquellas que parecen alcanzar el límite extremo de la invención y de la fantasía, las guarda la América española ...". Tapié nos centra en el por qué de nuestro Barroco al decir que mientras la Reforma protestante no se prestaba a las realizaciones de un arte cristiano suntuoso, los españoles difundieron el catolicismo con su despliegue de ritos y fastuosidad en la construcción y la decoración de las iglesias, que en las Provincias del Imperio español y la costa del Brasil floreció un arte "recargado hasta la confusión, que se presenta como uno de los logros más pujantes del barroco".


ORIGEN DEL TÉRMINO BARROCO 

En la palabra portuguesa barroco: término de joyería para designar a las perlas que no son perfectamente redondas, que en el lenguaje técnico de la joyería castellana entró como berrueco. Para Covarrubias 2 (1611) la palabra barrueco se aplica a la perla irregular y berrueco significa roca granítica y da origen a "berrocal, tierra áspera y llena de berruecos, que son peñascales levantados en alto: y de allí entre las perlas hay unas mal proporcionadas, y por la similitud las llamamos berruecos". Un origen más "culto" se le ha querido dar, al relacionarla con una de las combinaciones de las figuras del silogismo: barroco, tal vez como similitud entre el silogismo 3 y la Trinidad de Dios?, ya que esta figura no expresa ninguna irregularidad, imperfección o extravagancia en el modo del pensamiento

La primera definición de Barroco referente al arte de construir la encontramos en la Enciclopedia Metódica, obra reservada a la arquitectura y confiada a Quatrímere de Quincy en 1778: "Barroco, adjetivo. El barroco en arquitectura es un matiz de lo extravagante. Es, si se quiere, su refinamiento [sic] o si se puede decir, su abuso. Lo que la severidad es a la sabiduría del gusto, el barroco lo es a lo extraño, es decir que es superlativo. La idea del barroco entraña la del ridículo llevado al exceso. Borromini dio los mayores modelos de extravagancia. Guarini puede pasar por el maestro del Barroco. La capilla de Saint-Suaire en Turín, construida por este arquitecto, es el ejemplo más sorprendente que se puede citar de este gusto." Para don Manuel Toussaint 6 viene del término italiano barocco, que significa impuro, mezclado, bizarro, audaz. Dice el nombrado autor que "Es indudable que la causa anterior de este barroco viene a producirse por el abuso de formas anteriores y por el deseo de renovación que de tiempo en tiempo se ofrece a los hombres, siempre dispuestos a variar y sujetos en todas sus actividades, desde las más elevadas hasta las más baladíes, a ese factor que, al mismo tiempo que es símbolo de destrucción, lleva en sí un germen constructivo: la moda." 




... de los Azulejos, una joya del barroco novohispano | eTurismo Viajes


EL BARROCO EN LA NUEVA ESPAÑA 

La sociedad de este momento (1630-1730) es eminentemente aristocrática, de aristocracia de dinero, que ostentaban como única nobleza el descender de los conquistadores o el ejercitar las mayores obras pías o de caridad que se pudiera. En esta época son los potentados de la Colonia los que contribuyen al auge intenso de la arquitectura religiosa; enormes fortunas son destinadas por los mayorazgos o por los simples caballeros para constituir patronatos en templos y conventos. Comienza la secularización de las parroquias, los frailes pierden las doctrinas y la administración parroquial que ejercían por concesiones especiales pasa a manos de los clérigos, quienes se tornan en los dueños y señores de la administración, organizándose la iglesia en México en forma jerárquica.


MATICES DEL BARROCO EN LA NUEVA ESPAÑA En el desarrollo del estilo barroco encontramos tres matices: BARROCO SOBRIO Puede definirse como una reproducción del barroco español, en el que se conservan los órdenes arquitectónicos pero alterando las proporciones de las columnas, se rompen los entablamentos, y toman un carácter ornamental del edificio, perdiendo su función de soporte estructural. En los templos, el barroco sobrio se caracteriza en la portada de ingreso, que se desarrolla en torno a un arco de medio punto flanqueado por pilastras o columnas, pareadas o sencillas; sobre el arco se desarrolla un nicho, una ventana o un relieve. Este tipo de portada es común durante todo el siglo XVII. Encontramos este mismo tipo de portada en las puertas de ingreso a los monasterios, con la variante que el vano es adintelado y con un nicho o escudo sobre él. En las portadas de las casas, la puerta se abre entre dos pilastras y sobre ésta un balcón o una ventana y más arriba el escudo de armas, si es una casa señorial; en sus fachadas, las puertas y ventanas prolongan sus jambas hasta unirse con el cornizuelo; las cornisas son muy poco voladas y a veces casi no existen; presentan almenas cuando la casa es de un noble. En esta Época, en Ciudad de México se generaliza el uso del tezontle cubriendo los entrepaños de las fachadas, mientras que jambas, dinteles, cornisas y cornizuelos son tallados en piedra de cantera. Las pilastras aparecen muchas veces almohadilladas. En las esquinas de los edificios aparece casi siempre un nicho, para el santo preferido por el 4 propietario de la casa o para el santo patrón de la comunidad religiosa dueña de la edificación.



Arte rococo

Arte Rococó

El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI.
Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco.
Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Armoniza con la vida despreocupada y agradable que la sociedad ansía y se desentiende de cuestiones religiosas. Es un arte mundano, sin conexión con la religión, que trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni espiritual, sólo superficialidad. Por todo esto se considera al Rococó un arte frívolo, exclusivo de la aristocracia.
Se difundió rápidamente por otros países europeos, sobre todo en Alemania y Austria y se seguirá desarrollando hasta la llegada del Neoclasicismo.


El Columpio, de Fragonard

Defición del Arte Rococó
El término rococó proviene de la palabra francesa "rocaille" (piedra) y "coquille" (concha), elementos de gran importancia para la ornamentación de interiores.
Lo importante es la decoración, que es completamente libre y asimétrica. Muestra su predilección por las formas onduladas e irregulares y predominan los elementos naturales como las conchas, las piedras marinas y las formas vegetales.

Características del Rococó
arquitectura, los edificios mantienen un trazado externo simple, sin embargo, en el interior la decoración se desborda. El rococó impone la acumulación de elementos decorativos basados en líneas ondulantes y en la asimetría. Alcanza mucha difusión el gusto chino, que había entrado en Europa con las piezas de porcelana, telas o lacas, y que decorará los salones occidentales con sus temas más representativos.
En pintura, los temas más abundantes son las fiestas galantes y campestres, las historias pastoriles, las aventuras amorosas y cortesanas. Las composiciones son sensuales, alegres y frescas, predominan los colores pasteles, suaves y claros. La mujer se convierte en el foco de inspiración, ya que es la figura bella y sensual.

El Arte Rococó en España

Arquitectura Rococó
El rococó en España se inicia durante el reinado de Felipe V (1700-1746), favorecido por el estilo churrigueresco, que había llevado al barroco al recargamiento ornamental. Su influjo fue limitado, ya que fueron muy pocos los contactos que España mantuvo con el rococó europeo y especialmente con Francia y Alemania.
El ejemplo más temprano de arquitectura rococó es la portada de la catedral de Valencia, realizada por el alemán Conrad Rudolf. Dividida en tres cuerpos y coronada con un frontón curvo, alterna el ritmo cóncavo en sus calles laterales con el ritmo convexo en la central.
La fachada del palacio del marqués de Dos Aguas, diseñada por Hipólito Rovira se compone de dos partes bien diferenciadas y separadas por el escudo del marqués. En la parte inferior, se describe la alegoría de los dos ríos valencianos, el Turia y el Júcar, y en la superior, aparece una hornacina queALBERGA una escultura de la Virgen con el Niño. Una movida decoración de inspiración vegetal recorre toda la fachada.





La catedral de Cádiz, proyectada en 1722 por Vicente Acero es la obra más representativa del rococó español. Acero sigue los esquemas renacentistas de la catedral de Granada de Diego de Siloé, por eso su interior se estructura en tres naves. La cabecera cuenta con una girola en torno a la capilla mayor, que es de planta circular y que se cubre con una cúpula sobre tambor.
La fachada, flanqueada por dos torres de planta octogonal, se organiza en tres calles. La central, que se remata con un frontón triangular, es convexa y las laterales son cóncavas.
Otro ejemplo, es la fachada de la catedral de Murcia, de Jaime Bort.

Fachada de la catedral de Murcia, de Jaime Bort


Junto a estos, hay que destacar el empleo del estilo rococó en los proyectos decorativos de los interiores de los palacios de la Familia Real, como en el Salón Gasparini del Palacio Real de Madrid.
Pintura Rococó
En cuanto a la pintura, son escasos los artistas españoles cuyo estilo puede calificarse como propiamente rococó. Destacan Luis Meléndez y Luis Paret.

Luis Paret y Alcázar (1746-1799) pintó escenas galantes y cuadros costumbristas de carácter amable, con tonalidades brillantes de gran efecto decorativo que lo convierten en el representante más importante de la pintura rococó en española.

Entre sus pinturas destacan El baile de las máscaras, Las Parejas Reales o Fiesta en el Jardín Botánico. Para Carlos III también realizó una serie de vistas de puertos y marinas del Cantábrico.
Escultura Rococó
Respecto a la escultura, el estilo provoca en España la aparición de ciertos rasgos que se incorporan al vocabulario básico del Barroco, pero que no llegan a modificarlo. Entre ellos, una mayor dulzura e intimismo en la interpretación de los temas y un mayor aprecio por lo pintoresco y por los detalles más triviales.



biografias:

 Watteau


Watteau considerado el pintor galante por excelencia.
A los 18 años se trasladó a París y comenzó a hacer reproducciones de cuadros conocidos. Trabajó en tiendas del Sena donde vendía estas reproducciones.
Watteau es el pintor de la vida alegre. En sus delicados y brillantes paisajes se mueven figuras con deliciosos vestidos de seda.
Este ambiente idílico de su pintura no se corresponde con el de la vida de Watteau. Era un hombre muy enfermo, solitario y de difícil carácter. Su tuberculosis no le dejaba vivir la vida fácil que pintaba. Quizá por eso, en sus obras se aprecie una suave melancolía.



Boucher


Nace en París, se formó en un ambiente de decoradores encabezado por Lemoyne. Él le introduce en los temas mitológicos y en el mundo del desnudo.
Boucher es amante de la sensualidad femenina, las mujeres bellas y los ambientes exquisitos. 
Su gran protectora es madame de Pompadour, amante de Luis XV, de la cual fue profesor de dibujo.
Boucher fue nombrado pintor del rey. A partir de este momento empezará a sufrir grandes críticas por parte de los ilustrados. Según ellos, el arte debía ser didáctico y no recrearse en frivolidades. El gusto por el Neoclasicismo empezaba a imponerse.